Fundamentos de arte 4 GOYA

GOYA

3 de mayo

Descripción: Esta pintura recibe el nombre de El tres de Mayo de 1808, o Los fusilamientos de la Moncloa, cuyo autor es el aragonés Francisco Goya. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado.

Aspectos materiales y técnicos: La pintura está realizada sobre un lienzo, la técnica empleada fue el óleo. Sus medidas son 268 x 347 cm.

Análisis formal: Esta composición se divide en dos partes fundamentales; a la izquierda, aparece un grupo de civiles en diferentes posturas e incluso algunos aparecen ya muertos. A la derecha, aparece un grupo de soldados que apuntan con sus fusiles al grupo de civiles que tienen delante. Detrás de los civiles aparece la montaña del Príncipe Pio, al fondo se aprecia una arquitectura perteneciente a Madrid y la noche negra donde se desarrolla la acción cubre el resto de la composición. Goya utiliza en este cuadro una paleta oscura, donde predominan la gama de los negros ya que es el color de la muerte por excelencia. La otra gran familia cromática la forman los ocres, sin olvidar el color blanco de la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la obra.

Comentario: Esta obra fue realizada por Francisco Goya en 1814. No se sabe muy bien con que fin fue realizada, aunque se piensa que para ser ubicada en alguna arquitectura efímera. Aquí no podemos olvidar el peso de la escuela tenebrista, que sin duda debió influir en Goya. Debido a la gran variedad de estilos y tendencias que atravesó el pintor a lo largo de su vida, resulta inútil el tratar de englobar esta obra. El cuadro fue pintado seis años más tarde que los acontecimientos que relata y quizás fue pintado a propósito de una propuesta que hizo Goya al nuevo gobierno, que consistía en hacer una serie de retratos que conmemorasen episodios importantes del levantamiento español en la época de invasión francesa. La ausencia de tradición de la pintura histórica en España, y sobre todo de cuadros que narrasen algún episodio de la historia reciente, supuso una gran innovación en este género, ya que Goya se oppone radicalmente al estilo neoclásico, que algunos han llamado “estilo restauracion”.

Restauraciones y modificaciones: Se encuentra bien conservada y fue barnizada por el pintor Salvador Martínez Cubells.

Publicado por David Vázquez a las 22:49 1 comentario: Enlaces a esta entrada

La Cometa

Descripción: esta es una pintura llamada La Cometa, cuyo autor es Francisco de Goya. Se conserva en perfecto estado en el Museo del Prado en Madrid.

Aspectos materiales y técnicos: la obra se realizo en óleo sobre lienzo, una técnica ya más que vista en la época.

Análisis formal: tiene un tamaño de 269 x 285 cm. los tipos que Goya representa son de gran naturalismo y realidad. El colorido es muy intenso y ayuda a destacar los detalles de los trajes de los personajes. Estos trajes y estos personajes se conocen en la actualidad como goyescos. Además el árbol refleja una sombra perfecta hacia la colinita donde esta el hombre que maneja la cometa y que se sitúa en el centro del cuadro. Atrás aparecen figuras arquitectónicas y un cielo que pese a estar despejado da ciertos síntomas de oscuridad.

Comentario:Pertenece al periodo Rococó podterior al Barroco. Esta pintura a una serie de cartones que realizó Goya en 1778 para la decoración del comedor de los Príncipes en el Palacio de El Pardo de Madrid. A esta serie pertenecían también los cuadros titulados Jugadores de Naipes y Niños inflando una vejiga.
En esta serie de cartones, como en la de las estaciones, Goya refleja el mundo y las costumbres del pueblo de Madrid. En este caso se trata de un juego muy popular que servía de distracción a los majos de su época, el echar a volar la cometa, que realmente en el cuadro tiene poca importancia. Lo más importante son los tipos que Goya representa con gran naturalismo y realidad.Esta segunda entrega de cartones la efectuó Goya el 26 de enero de 1778. Se sabe que por este cartón titulado “La cometa” pidió el pintor la cantidad de 7.000 reales de vellón, que era la misma cantidad que había obtenido por otros encargos destinados a los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara.

Restauraciones o modificaciones: se conserva perfectamente desde que se pintó.

Publicado por tomas rebollo rodriguez a las 18:24 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

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3 de Mayo de 1808

Como del propio titulo se deduce, en el cuadro, un óleo sobre lienzo, se representa un hecho histórico. Concretamente los fusilamientos que tuvieron lugar en la madrugada del 3 de mayo de 1808 en la montaña de Príncipe Pío, a las afueras de Madrid. Este acontecimiento tuvo lugar como represalia por parte del ejercito napoleónico por el levantamiento popular que tuvo lugar el día anterior en las calles de Madrid y también reflejó Goya en su obra “El dos de mayo” “la Carga de los mamelucos”.

En esta obra Goya no sólo se muestra como un extraordinario pintor que refleja un hecho histórico del cual fue fue testigo; sino que, lo que resulta más novedoso, el pintor toma parte de manera activa en favor de los perdedores, los ejecutados, mostrando lo inhumano y cruel de la guerra.

Toda la obra rebosa un dramatismo sin parangón, la luz, los gestos mezclados de heroicidad final frente al terror o al fervor religioso y los colores oscuros. Frente a esa galería de rostros de los condenados, los soldados nos dan la espalda, forman un muro infranqueable mostrándonoslo el pintor como una máquina ejecutora, sin rostro, sin humanidad.

La figura de la camisa blanca y el pantalón amarillo, parece imitar el gesto de Cristo en la cruz, en una especie de sacrificio redentor, en este caso, en su lucha por la libertad frente a la opresión.

Frente a los pintores anteriores que habían mostrado la guerra desde la óptica del rey vencedor que se nos aparecía como un héroe extraído de las novelas de caballería (“Calos V en la Batalla de Mühlberg”) o los que había querido representar la rendición bajo un ambiente de cordialidad y caballerosidad (“La rendición de Breda” de Velázquez); Goya nos muestras unos hechos que nada tienen de heroico o caballeresco. Goya pinta la guerra en su sentido más dramático sin tomar partido por un bando u otro pues la guerra deshumaniza a todos por igual.

Publicado por Pablo Cardenal a las 17:21 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

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La cometa. Goya.

Esta obra, llamada “La Cometa” es una de las obras más destacadas de Goya, que fue un pintor que evolucionó desde el rococó que impregna sus frescos y cartones para tapices, a autor de una obra personalísima como las“Pinturas negras”, pasando por ser pintor de la corte de los reyes Carlos IV y Fernando VII. La Cometa está expuesta en el Museo del Prado, París. Esta obra está pintada en un lienzo con pinturas de oléo. El 26 de enero de 1778 Goya entregaba la segunda serie de cartones para los tapices que iban a decorar el comedor de los Príncipes de Asturias en el Palacio de El Pardo, serie formada por cuatro escenas entre las que destacan la Cometa, y otras como los Jugadores de Naipes. Por esto, el artista pedía 7.000 reales de vellón. Goya representa en sus cartones el mundo de los majos y majas madrileños, captado con tal naturalismo que provoca que el espectador se “introduzca” en la imagen y participe en la escena. Las figuras están colocadas en una estructura piramidal en primer plano, mientras en un segundo plano los majos y la mujer están más difuminados por efecto de la luz y el polvo del lugar. El colorido es muy vivo e intenso, aplicado con pinceladas rápidas y certeras, interesándose por todos los detalles de los trajes de los majos, que han pasado en la actualidad a llamarse “goyescos”.El hombre fumando del primer plano y el gesto del embozado, que mira descaradamente el escote de la mujer aprovechando que ella no mira.

Publicado por Sara Salomón a las 18:33 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

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Francisco de Goya: El 2 de mayo de 1808.

Esta pintura se trata del 3 de mayo de 1808, cuyo autor es el español Francisco de Goya. Fue pintada en 1814 sobre un lienzo de 268, 5 cm x 347,5 com. Actualmente, esta obra se encuentra expuesta en el Museo del Prado en Madrid.

Goya es uno de los mayores creadores de todos los tiempos. A prendió el oficio en Zaragoza y en 1770 viajó a Italia, donde estudió a los maestros italianos y adquirió la estética neoclásica. Más tarde, tras su regreso a España, se convirtió en el retratista más renombrado de la corte y Carlos IV, lo nombró pintor de cámara.

Con la posición de Goya durante la Guerra de la Independencia, supuso que perdiese sus privilegios. A continuación, se marchó al exilio a Burdeos dónde murió.

El contexto que se ve proyectado en esta pintura es el siguiente: Finalizada la guerra de la Independencia en 1813, el regreso a España de Fernando VII se había conocido desde diciembre de ese mismo año, por el tratado de Valençay así como su entrada en Madrid. A pincipios de febrero, la cuestión era inmininte, habiéndosele enviado las condiciones de su vuelta al trono, como jura de la Constitución de 1812, y su llegada a la capital iba a coincidir con la primera conmemoración del alzamiento del pueblo de Madrid contra los franceses del 2 de mayo de 1808. Lo que realmente quiere expresar mediante esta pintura, es la crítica hacia esta situación y hacerles ver a la sociedad lo que realmente está ocurriendo en Madrid.

Goya ha querido representar aquí un episodio de ira popular: el ataque del pueblo madrileño, mal armado, contra el ejército francés. En el centro de la composición, un mameluco, soldado egipcio bajo órdenes francesas, cae muerto del caballo mientras un madrileño continúa apuñalándole y otro hiere mortalmente al caballo. Al fondo, las figuras de los madrileños, con los ojos desorbitados por la rabia, la ira y la indignación acuchillan con sus armas blancas a jinetes y caballos mientras los franceses rechazan el ataque e intentan huir. Es significativo el valor expresivo de sus rostros y de los caballos, cuyo deseo de abandonar el lugar se pone de manifiesto como el miedo de sus ojos. Goya recoge con sus pinceles cómo pudo ser el episodio que encendió la guerra con toda su violencia y su crueldad para manifestar su posición contraria a esos hechos y dar una lección contra la irracionalidad del ser humano, como correspondía a su espíritu ilustrado. La ejecución es totalmente violenta, con rápidas pinceladas y grandes manchas, como si la propia violencia de la acción hubiera invadido al pintor. El colorido es vibrante y permite libertades como la cabeza de un caballo pintada de verde por efecto de la sombra. Pero lo más destacable del cuadro es el movimiento y la expresividad de las figuras, que consiguen un conjunto impactante para el espectador.

Tras los estudios realizados, sabemos que el cuadro se pintó con el título en la parte superior del lienzo, pero fue borrado. Esto nos da a entender que fue pintado como modo de pancarta.

Publicado por Elisa Coronel a las 18:54 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Francisco de Goya:La Duquesa de Alba

Esta obra se trata de un retrato de Maria del Pilar Cayetana de Silva-Álvarez de Toledo(1762-1802),de manos de Francisco de Goya,precursor de la pintura de vanguardia del S.XX,en 1795.Se trata de un óleo sobre lienzo de 194x130cm.Éste fue el primer retrato de la duquesa realizado por Goya,de los muchos que realizó en la vida.

Goya utiliza en esta obra su técnica del retrato,que ocupa la mayor parte de su obra.Eran rápidos,pero bien trabajados retratos.Su pincelada la”estrategia de la ilusión”ue aprendida de Velázquez.
Em esta obra vemos algunas de las características de su estilo,como la factura de su pincelada,de una libertad total y dominio completo de la materia,el color y la pasta,elemento dominantes en sus cuadros.Centra su atención en la figura humana,el marco ambiental pierde importancia,en este caso con un colorido armonizado de tonos ocre y grises.Representa la verdad y no se detiene ante lo mas horrible;pinta lo bello con delicadeza exquisita,como observamos en este caso ante el delicado tratado del vestido,pero también supo destacar lo feo.

Los retratos hechos de la duquesa,como este,son de gran calidad.Éste fue el primero,antes de que enviudase y en el que aparece vestida por completo a la moda francesa,con traje blanco que contrasta con los vivos rojos del lazo que ciñe su cintura,al igual que el perrito que la acompaña,símbolo de la fidelidad,posiblemente la que le profesaba el mismo pintor.Su gesto nos muestra una personalidad extrovertida,por la que se le caracteriza.

La duquesa de Alba,era una de las mujeres mas atrayentes del Madrid de la Ilustración.Su belleza era admirada y cantada por poetas y músicos.Siempre se ha hablado de una posible relación amorosa entre el pintor y la duquesa,ya que tras conocerse la duquesa tuvo mucho interés en ser retratada por Goya,de ahí sus numerosos retratos,e incluso llegó a instalar al pintor en su palacio madrileño.La duquesa tuvo tal devoción por el artista que incluso se dice de llegar a pedirle a su marido que se hiciera el principial mecenas del artista.Lo cierto es,que nunca se llegó a saber si el pintor y la duquesa fueron amantes o sólo buenos amigos.

El 23 de Julio de 1802 muere la duquesa Cayetana con 40 años de edad.También se ha especulado mucho sobre su muerte,culpando a la reina Maria Luisa de Parma de ella,amante obsesiva del político Godoy quien tuvo una obsesión incondicional por la duquesa,llegando a reunir todos los cuadros de ésta realizados por Goya.Pero también es cierto que los últimos años de su vida la duques ano gozaba de buena salud.
Actualmente el cuadro se encuentra en el Palacio de Liria,perteneciente a la fundación Casa de Alba.

Publicado por Carmen Foronda Sáenz a las 19:24 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

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La familia de Carlos IV

  1. La familia de Carlos IV es un retrato colectivo pintado en 1800 por Francisco de Goya encargado por Carlos IV .Se conserva en el Museo del Prado de Madrid.
    2.   La técnica es óleo sobre lienzo.

La composición resulta a la vez fácil de ver pero compleja de realizar (ésta es precisamente la maestría). En principio, y aunque el cuadro parezca simétrico, no lo es. El centro de la composición lo crea el niño de rojo (el color que más atrae la mirada) que junto al marco del cuadro crea una gran línea vertical que separa ambas partes. Si nos fijamos en ellas, la izquierda es mayor que la derecha en una proporcionalidad conocida desde muy antiguo llamada número aúreo (número de oro), muy utilizado en el Renacimiento.

En cuanto a la relación línea-color, predomina el segundo. Es la llamada pincelada suelta que realiza las formas a través de pequeños manchones, al igual que hacía ya Velázquez.

Los colores predominantes son los cálidos, en especial los dorados (herencia de Tiziano). Sobre este fondo Goya vuelve a recurrir a Velázquez y anima el cuadro con estallidos de rojos, como ya se hacía en las Meninas.

La luz juega varias funciones en el cuadro. Por una parte dará una mayor importancia a Maria Luisa que relumbra con su vestido (que era el verdadero poder del reino, junto a Godoy).

Su otra función tiene que ver con la creación del espacio. En este punto Goya se encuentra con un grave problema. Tiene que meter demasiadas figuras en un espacio bastante pequeño, lo cual puede llegar a crear una sensación de asfixia en el espectador. Por eso necesita crear por medio de trucos más espacio, y para ello recurre a Velázquez y sus Meninas.

Por una parte coloca en el fondo cuadros que abran una mayor perspectiva, sobre todo el de la derecha.

Por otra juega a crear bandas horizontales de luz y sombra de forma consecutiva, igual que ocurre en las Meninas, creando así como una serie de peldaños en donde el ojo se va parando, avanzando más lentamente hacia el fondo y dando una impresión de mayor espacio.

El tratamiento de las figuras es realista, acaso excesivamente realista para su tiempo, pues la capacidad de penetración psicológica del pintor es tan grande que casi nos va desnudando a toda la familia real, que vemos con todos sus vicios y miserias.

  1.      El retrato diseñado por Goya es una representación de grupo de toda la familia real, al estilo de cómo lo había hecho Louis-Michel van Loo, en su cuadro de La familia de Felipe V o Jean Ranc en otro retrato de la misma familia. La familia de Carlos IV lo componen catorce personajes donde Goya rinde homenaje a Velázquez y su lienzo Las Meninas. Es un lienzo de enormes dimensiones (más de tres metros de ancho por otras casi tres de alto) que se dispone en tres grupos de cuatro personajes, que ordenan la composición: a la izquierda el infante Carlos María Isidro, y junto a él, avanzando en primer plano la figura egregia de Fernando, en esas fechas Príncipe de Asturias todavía. Completan el grupo, Doña María Josefa, hermana del rey, y a su lado una muchacha sin rostro que alude, de esta forma,  a la futura mujer de Fernando VII, que aún no se conocía. El grupo central viene dado por los padres de familia, el rey y la reina, Carlos IV y María Luisa de Parma, acompañados de la infanta María Isabel y su hermano pequeño, el príncipe Francisco de Paula (de la mano de la reina). El tercer grupo, situado a la derecha y en un plano algo más secundario, está formado por el infante  Antonio  Pascual, Doña  Carlota Joaquina y finalmente los príncipes de Parma que llevan en brazos al pequeño infante Carlos Luis. El pintor destaca en el centro a la reina, con intención de realzar la figura de la reina María Luisa, auténtica dominadora en la familia, además de presentar al rey con cierta pose bobalicona. Remata la composición el autorretrato del propio Goya, a modo de homenaje a Velázquez en Las Meninas, pero en un segundo plano y en mayor penumbra que aquel.

Destaca en la ejecución la pincelada goyesca, casi presagiando el impresionismo.

4.Probablemente el mejor retrato de conjunto del XIX. Una obra imprescindible para todo aquel que visite el Museo del Prado, que además cuenta con una sala en la que se sitúan también los dibujos preparatorios y los dos magníficos retratos ecuestres de Carlos IV y María Luisa de Parma. Goya es capaz de transmitir en el cuadro quién era quién en aquella Corte: una Carlos IV ilustrado, mecenas y bondadoso pero poco o nada dado para las tareas de gobierno, una Reina de fuerte personalidad y auténtica gobernante de aquella Monarquía (junto a su valido, o algo más, Godoy), un Fernando VII amenazador y ambicioso a la espera de hacerse con las riendas del poder.

Publicado por cristian delva a las 12:41 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

El quitasol de Francisco de Goya. Pintura

La imagen muestra “El quitasol”, cuyo autor fue Goya durante 1777, y por lo tanto perteneciente a la pintura pre-impresionista. Se trata de un tema popular, concretamente representa a un joven tapando el sol a una maja. Es de óleo sobre lienzo y mide 104 x 152 cm.

Se trata de uno de los tapices que creó Goya para la fábrica de tapices, siendo la cantidad abonada por el cartón bastante baja en relación con los demás. El motivo pudo ser que éste es el trabajo, de esta serie, que tiene el menor número de personajes en escena y el fondo no presenta ningún paisaje, como en otras obras, con todo lujo de detalles. Pertenece a la serie para decorar el comedor de los príncipes de Asturias en el Palacio de El Pardo y se debió pintar entre el 3 de marzo y el 12 de agosto de 1777.

En la cuenta que presentó Goya a la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, fechada el mismo día de la entrega, pedía por El quitasol mil quinientos reales de vellón e indicaba:

“representa una muchacha sentada en un ribazo, con un perrillo en el Alda, a su lado un muchacho en pie haciéndole sombra con un quitasol”.

En esta obra, Goya acerca las figuras al primer plano en un grupo piramidal. El fondo carece de profundidad. La sombrilla aparece como elemento renovador. Estos elementos revelan una gran modernidad. Resulta innovador el tratamiento que le da Goya a esta pintura: se aproxima a la tradición francesa en la idea del tema con cierta picaresca y galantería. De la tradición italiana extrae la vivacidad cromática de esta paleta; con rojos, amarillos, azules y verdes que representan la alegría de vivir de la corte de los tiempos de Carlos III.
La sensación de realidad se logra con la mirada que dirige la mujer al espectador, haciéndole pensar la causa de su sonrisa. Aparte de la falta de precisión del espacio, la proximidad de las figuras, la forzada perspectiva y posición del quitasol. Las diferencias entre el cartón y el tapiz de El quitasol son notables, probablemente al ejecutar los tejedores el trabajo con ciertos cambios; en consecuencia, la espontaneidad y naturalidad del cartón han sido sustituidas por un amable pintoresquismo decorativo.

El empleo de la luz y la utilización del cromatismo también son distintos, así como el modo y manera en que la indumentaria se fija para marcar las diferencias sociales: el personaje masculino viste de majo, dentro del esquema tradicional de la época y la muchacha se viste a la francesa, en términos de nivel aristocrático. También conviene recordar que hay una interpretación que pasa el simple tema galante para entrar en el amplio mundo de la coquetería y la vanidad femeninas en contraposición al joven que acompaña, tratado en calidad de comparsa y no en concepto de pareja.

La sombrilla era un objeto de moda en la pintura de género del siglo XVIII. Estaba presente casi siempre donde se encontraba una mujer y su cortejador al aire libre, fue tan común que llegó a convertirse en una forma de identificar la galantería.

Publicado por José Manuel a las 18:59 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

La maja desnuda, Goya

La Maja desnuda es la primera figura femenina de la historia de la pintura que muestra el vello púbico, poniendo de manifiesto su originalidad. Además, no es ninguna imagen mitológica sino una mujer de carne y hueso, una imagen moderna como más tarde haría Manet en su Olimpia. Por eso, la Maja desnuda tiene tanto éxito entre los numerosos visitantes del Museo del Prado, junto a su compañera, la Maja Vestida. Sobre ella se ha escrito una ingente cantidad de líneas que no han hecho sino aumentar la incógnita de su realización. En 1800 aparece citada en el gabinete de Godoy, por lo que sería anterior a esa fecha. Los tonos verdosos y blancos empleados por Goya corresponden a los utilizados en las obras de los últimos años del siglo XVIII, como los retratos de Jovellanos o de Josefa Bayeu. Algunos especialistas adelantan su ejecución hasta la época de los Duques de Osuna y sus hijos. Pero ahí no quedan las incógnitas, ya que también desconocemos quién las encargó. Todo hace apuntar a que ambas Majas fueron encargadas por Godoy para decorar su despacho junto a la Venus del espejo deVelázquez y otra Venus de la Escuela veneciana del siglo XVI, manifestando el gusto del valido de Carlos IV por las pinturas de desnudos femeninos, así como su poder, debido a la persecución que conllevaban estas obras, pero Godoy no tenía nada que temer; era el hombre más poderoso del país. También se apunta la posibilidad legendaria de que la Maja sea la Duquesa de Alba, Doña María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, a quien Goya estaba estrechamente unido desde que enviudó ésta y se trasladaron juntos a Sanlúcar de Barrameda. Bien es cierto que su rostro no corresponde al de las Majas, pero es evidente que los rostros son estereotipados, como ya hacía en los cartones para tapiz, precisamente para que no fuera reconocida. Incluso se ha llegado a decir que es el rostro de la Duquesa visto desde abajo. El Duque de Alba exhumó los restos de su antepasada en 1945 para intentar restar veracidad a esta leyenda porque el cuerpo de la Maja sí corresponde con el de Doña Cayetana, con sus huesos pequeños, su cintura de avispa y sus grandes y separados senos. La postura provocativa de la Maja podría incluso sugerir que se trata de una prostituta de alto postín, que se ofrece al mejor postor. La mirada pícara y atrayente puede reforzar esta idea. La Inquisición mandó comparecer a Goya ante sus tribunales por haber pintado las Majas y los Caprichos, pero curiosamente el asunto fue sobreseído gracias a la intervención de un personaje poderoso, quizá el Cardenal don Luis de Borbón o, en último término, el propio Fernando VII, con quien el pintor no mantenía muy buenas relaciones, todo sea dicho. Pictóricamente, es una obra en la que destacan los tonos verdes, en contraste con los blancos y los rosas. La pincelada no es tan larga como acostumbra el artista, a excepción de los volantes de los almohadones, mientras que la figura, situada en primer plano, estaría realizada con mayor minuciosidad, en un enorme deseo de satisfacer al enigmático cliente que encargó las obras

Publicado por José Manuel a las 23:22 No hay comentarios: Enlaces a esta entr

Los Caprichos

En 1799 se publicó la primera serie de grabados al aguafuerte de Francisco de Goya. Se trataba de una colección de 80 estampas de “asuntos caprichosos”, que el pintor había ido haciendo a lo largo de esa década. A través de esta colección Goya expresó lo que pensaba y sentía como hombre ilustrado sobre la sociedad española de finales del siglo XVIII. Lo hace, en ocasiones, a través de dibujos realistas y, la mayor parte de las veces, por medio de imágenes fantasiosas más o menos delirantes:
-En unos censuraba errores y vicios universales como la ociosidad, el fanatismo religioso, la vanidad o la hipocresía…
-En otros satirizaba sobre tópicos del momento, como la defectuosa educación de los niños, las leyes injustas, los matrimonios desiguales, el comportamiento de los frailes o los prejuicios que resultaban de la ignorancia y de la superstición.

 

-En la mayoría subyacía una profunda crítica a las instituciones y al sistema social tan injusto del Antiguo Régimen.La técnica artística es expresionista, deformando fisonomías y cuerpos humanos para dar aspecto bestial a los vicios y torpezas humanas. Según palabras del propio Goya no estaba en su ánimo ridiculizar a ningún individuo concreto, aunque desde el momento de su publicación ya hubo quien quiso ver en algunos de los personajes a figuras del momento. Las escenas son aparentemente cotidianas pero en escenarios tenebrosos, donde la luz crea ambientes irreales para acentuar el mensaje, y con seres monstruosos, brujas, prostitutas, duendes, frailes…Los títulos que acompañan a los grabados son sentencias punzantes e irónicas. En ellas siempre hay que distinguir un doble significado: el literal y el profundo. El juego de dobles sentidos permite una interpretación libre al que los contempla y protege al artista de una acción directa contra él por parte de la Inquisición o de sus enemigos.La obra de los Caprichos ha influido sobre varios movimientos artísticos por distintos motivos. El romanticismo apreció sobre todo su espíritu rebelde y de crítica social. El expresionismo la capacidad de mostrar lo que sentía a través de esos seres deformes. El surrealismo reconoce en él a un artista que obtiene su lenguaje de un mundo onírico de pesadilla.Goya, por sí solo, llena uno de los capítulos más gloriosos de la historia del arte. Vivió entre 1746 y 1828. La personalidad de Goya le sitúan fuera de las corrientes artísticas dominantes en el momento. Ni el neoclasicismo ni el románticismo dejan huella en su arte. Su época es la misma en la que triunfan David, Tiépolo, Courbet, Ingres, el arte didáctico, los temas mitológicos, la figuración, etc. El color alcanza en Goya un concepto nuevo. El color se valora por sí mismo, es un elemento expresivo fundamental del cuadro. Su dibujo no es detallado y preciosista sino abocetado, llegando incluso a dejar parte del cuadro sin cubrir. Su pincelada es un gran movimiento, un gran trazo de pincel que es trazado con una técnica nerviosa y fogosa, y donde queda marcada su personalidad, su psicología y su expresividad genial.

Fundamentos de arte 3

EGIPTO

as pirámides de Gizeh

Descripción: Las piramides de Gizeh de los faraones Kéops, Kefrén y Mykerinos se localizan a las afueras de la ciudad de Gizeh, a 20 km de El Cairo. El autor de la pirámide de Kéops es Hemiunu y del resto se desconocen los autores. La obra es una arquitectura de estilo colosal y se encuentran bastante deterioradas.

Aspectos materiales y técnicos: La obra esta hecha con grandes bloques de piedra. En las cimas de las pirámides existían picos de piedra caliza pero estos solo se han consevado en la pirámide de Kefrén. Se cree que su construcción pudo ser subiendo estos bloques con palos de madera haciendo el recorrido de izquierda a derecha ascendentemente, pero aún no se ha verificado este hecho.

Análisis formal: La pirámide de Kéops es de base cuadrada y cada lado mide 233 m, siendo su altura de 146 m, aunque actualmente mide 138 m. Realizada por mas de 2 millones de bloques de piedra de 2 toneladas. En su interior hay varios corredores, falsas estancias y trampas a pesar de lo cual fue saqueada en tiempos de faraones. La entrada se ubica en el norte, y de allí sale un corredor dividido en dos. En sentido descendente una galeria conduce a una cámara y en sentido ascendente, la gran galeria, desde donde llega a la cámara de la reina y a la antecámara y la cámara del faraón en el centro de la pirámide.
La de Kefrén, hijo del aterir faraón, mide alrededor de 140 m de altura. Al igual que la de Kéops estaba rematada con placas de oro y revestida de granito rosa. Junto a esta se encuentra la Esfinge de Gizeh considerada como el retrato de un faraón con cuerpo de león.
Por último, la de Mykerinos es la más pequeña y guarda la misma disposición que las anteriores. En el centro se hallaban los sepulcros del faraón y de su esposa, asi como sus dobles.

Comentario: Esta obra considerada una de las 8 maravillas del mundo, cuya cronología data de 2551 al 2494 a.C. Durante la IV Dinastía en el Imperio Antiguo se llevo a cabo este magnífico conjunto funerario. En las historias de Heroto  se dice que su edificación duró más de 20 años y trabajaron en ella más de 120000 esclavos, prisioneros de guerra y en la etapa de la sequía, agricultores. La función de la pirámide era acojer el cuerpo del faraón junto a sus pertenencias que aseguraban su vida en el más allá. Para lograr la resurrección, el cuerpo debía estar incorrupto, por ello se llevaba a cabo la momificación, que en la spersona sd e alto linaje solían durar 70 días. Se procedía a la extracción de sus órganos y se sustituía por un amuleto en forma de escarabajo, signo de que no debía mentir en el juicio de Osiris. Estos órganos se guardaban en pequeñas jarras en cuya tapa se representaban a los cuatro hijos del Dios Horus. Otra obra arquitectónica posterior fue La Pirámide escalonada del Fraraón Zoser.

Restauraciones o modificaciones: Estas pirámides se encuentran bastante deterioradas aunque hay que decir que no han sido restauradas.
Publicado por tomas rebollo rodriguez a las 21:16

TEMPLO DE ABU-SIMBEL

Los templos rupestres o excavados en roca son el otro ejemplo de colosalismo y maganificiencia egipcios.Están dotados de los mismos elementos que el otro tipo de templo, aunque, por razones obvias, el patio precede al pilono que en vez de ser exento está tallado en roca.

Entre todos estos templos está el de Ramsés II de la dinastía XIX en Abu-Simbel  (Nubia) que presenta cuatro colosos sentados de Ramsés II incrustados en el pilono formando un audaz altorrelieve que debió de resultar atrevido en el momento de su construcción.Estas estatuas de Ramsés II, de más de 20 m de altura están secundadas por las de su madre, su mujer y sus hijos, todas de tamaño menor.Sobre la puerta del templo se abre un pequeño nicho con la representación de Re-Horakhte, el dios al cual está dedicado el templo.Remata el conjunto un friso con 33 monos de 2 m de altura que miran a Oriente adorando al sol naciente.

Este templo reponde de forma excepcional a los objetivos del templo egipcio: su exterior es un verdadero autorretrato del poder faraónico; su interior es una sala de pilares presididos por estatuas de Ramsés, Osiris de 9 m de altura mostrando la union entre el dios y el faraón, la persona divina que garantiza el orden del mundo.

Publicado por domingo pedraza sanchez a las 21:11 1 comentario: Enlaces a esta entrada

Pirámide escalonada de Saqqara

Este tipo de arquitectura que vamos a comentar es la Pirámide escalonada de Saqqara , perteneciente al arte egipcio y situada cronológicamente en el imperio Antiguo .
El faraón Zoser hizo construir esta pirámide mediante la superposición de mastabas en la necrópolis de Saqqara .
Su construcción esta realizada con muros en talud, especie de pirámide truncada; realizada con piedra, aunque rellenadas con cascotes, adobe, etc.
La pirámide de Zoser en Saqqara (III dinastia), cuya realización obedece a Imhotep, arquitecto que luego será deificado por ello: sucesivas ampliaciones  partiendo de una mastaba en piedra van añadiendo “mastabas” más pequeñas arriba formando escalones.
Podemos decir que en el interior de esta imagen había una capilla funeraria que a su vez daba lugar a una pequeña sala llamada serab, donde se guardaba la estatua del difunto, también la formaba un pozo y una cámara sepulcral, una vez depositado el difunto, se tapiaba con una gran losa.
Los egipcios daban mucha importancia a la vida de ultratumba y las clases acomodadas preparaban, a lo largo de la vida, su última morada.
Esta preocupación explica su afán por la medicina y los ritos de momificación, ya que el cadáver se debía conservar incorrupto para alcanzar la resurreción.
Publicado por antonio jose a las 19:16 1 comentario: Enlaces a esta entrada

Pirámide de Keops

La Pirámide de Keops es una arquitectura arquitrabada, la más grande de las tres pirámides de la meseta de Giza. Se encuentra a las afueras del Cairo (Egipto). El rasgo más evidente de la arquitectura del egipcio antiguo es el colosalismo; la edificación resulta desproporcionada en relación con la función. Esta pirámide fue construida en el reinado de Keops entre 3.000 y 2.500 a.c. Se supone que Melquisedec  o Enoc fueron los arquitectos que realizaron los planos.  Su estado de conservación, relativamente, es bueno, ya que estas pirámides tienen muchos años de antigüedad y las piedras situadas en las zonas inferiores de la pirámide fueron utilizadas para construir otra serie de arquitecturas.

Esta pirámide está construida con piedras de una longitud de 10 metros aproximadamente, tiene una altura que llega a los 150 metros aproximadamente y su base de más de 5 hectáreas. Estas piedras eran transportadas por  el río Nilo hasta orillas cercanas de la pirámide donde construyeron calzadas para movilizar esas piedras cerca de la pirámide, todo este trabajo fue realizado por cientos de hombres, ya que era muy difícil el transporte y colocación de estas piedras.

Las pirámides egipcias eran monumentos funerarios que los emperadores mandaban a construir en su honor, en el interior se hallaban un serie de laberintos, galerías, pozos y cámaras de extraordinaria complicación impidiendo el expolio del riquísimo ajuar funerario y en lugares más difíciles de entrar la cámara del Rey y la Reina. La construcción de la pirámide de Keops , cuyo nombre significa “domina el horizonte” comenzó en torno al 2550 a.c, y finalizó unos veinte años después. Originariamente tenía una altura de 150 metros, en la actualidad mide 136 metros debido a la pérdida de un trozo de la cima.

Publicado por cristian delva a las 17:08 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Templo de Abú Simbel

El templo de Abu-Simbel, está situado al sur de Egipto, a 300 KM de la ciudad de Asuán.
El templo es una construcción de tipos speos,(edificaciones excavadas bajo rocas). En cuanto al tamaño del templo, de altura tiene unos 33 m y de anchura unos 38 m. En la fachada hay 4 estatuas gigantes de Ramsés II, con la nemes y la doble corona del alto y bajo Egipto. Cada estatua mide unos 22 m de altura. A los pies de las 4 figuras se encuentran diversas estatuas menores de varios miembros de la familia del faraón.
El interior del templo se divide en diversas estancias: santuario, sala de ofrendas, pequeñas salas contiguas, pronaos, vestíbulos y el templo solar. La parte interior del templo tiene una distribución similar a la mayoría de los templos del antiguo Egipto, con salas de tamaños menor a medida que vamos llegando al santuario. El santuario contiene tres estatuas de los dioses Ra, Ptah, Amón y una de Ramsés, todas en posición sedente.
Este templo se construyó con la intención de impresionar a los enemigos de Egipto, cuya construccion se llevó a cabo en año 1284 a.c, y se finalizó veinte años después. Fue abandonado durante varios siglos, hasta que en 1813 Burckhardt lo visitó y le explica su descubrimiento al explorador Giovanni Belzoni, el cual viajó al lugar pero no pudo acceder al templo, por lo que volvió en 1817, esta vez encontrando la entrada y posteriormente llevándose todos los objetos que encontró y pudo transportar.

Publicado por José Manuel a las 17:01 1 comentario: Enlaces a esta entrada

Templo de Hatshepsut

 

Publicado por José Manuel a las 12:47 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Templo de Karnak

 

Publicado por José Manuel a las 11:25 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Complejo de Giza y pirámide de Keops

 

Publicado por José Manuel a las 11:21 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Pirámide y complejo funerario de Zoser

ESCULTURA

La Triada De Mikerinos

LA TRÍADA DE MIKERINOS

Tríada de Mikerinos (Mikerinos con la diosa Hathor y el nomo de Kynópolis).Escultura de bulto redondo adosada o Altorrelieve casi exento. Grupo.
92,5 cm. Museo Egipcio. El Cairo.
 Arte egipcio. Imperio Antiguo (2.532-2.504 a.C.).

Esta escultura exenta está realizada en piedra granítica, pizarra concretamente, y es pequeña, pues no llega al metro de altura.

Nos muestra a tres personajes (el farón flanqueado por dos diosas), de ahí que reciba el nombre de “tríada”. Dichas figuras se encuentran adosadas a una amplia pilastra dorsal (de extensión basal), que sirve como elemento unificador y sustentador, pero que también indica que la pieza fue diseñada para ser observada frontalmente. De hecho, la mayor parte de los recursos utilizados en el diseño de dicha obra sólo pueden ser apreciados adecuadamente desde la posición de espectador frontal.

Mikerinos fue representado en actitud de energía contenida (como era muy normal en Egipto), con los brazos a los lados del cuerpo, los puños fuertemente cerrados y en una especie de palpitante tensión en el cuerpo rígido que, sin embargo, contrasta con la expresión relajada del rostro. La imagen plasma la fortaleza de la juventud del rey, que luce mitra o la Corona Blanca (Señor del Alto Egipto), la barba postiza y un faldellín plisado. El monarca ocupa el eje central en un diseño de carácter simétrico y, además, se sitúa en un plano avanzado hacia el espectador; efecto que se subraya aún más con el gesto de colocar avanzado el pie izquierdo.  Así, el tratamiento técnico permite acentuar la posición del faraón por delante de las figuras femeninas; es decir, MiKerinos se sitúa por delante de las diosas. De modo que el conjunto de la composición muestra al rey como el máximo protagonista, quedando las figuras femeninas en segundo y hasta en tercer plano. Incluso con detalles como la magnitud y volumen de la corona del Alto Egipto, elevándose en altura, se enfatiza visualmente aún más la relevancia del soberano. Todo ello demuestra la utilización de la perspectiva jerárquica, donde la figura principal aparece de mayor tamaño.

Publicado por Marcos Orta a las 18:55 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Sheik el-Balad

El Alcalde del Pueblo o también conocida como Sheik el-Balad (en árabe) se trata de una escultura exenta tallada en madera de sicomoro y con una altitud de 112 cm. Pertenece al Imperio Antiguo de Egipto, concretamente a la V dinastía. Representa al noble egipcio Ka-aper que fue “Jefe de los sacerdotes lectores” y gobernador del Bajo Egipto. La escultura fue encontrada en la mastaba de Ka-aper (al norte de Saqqara) en la principal necrópolis de la ciudad Menfis por el egiptólogo francés Auguste Mariette en el año 1860. Actualmente se encuentra en el Museo Egipcio de El Cairo, en Egipto.

Sheik el-Balad muestra los rasgos típicos de la escultura egipcia, en el rostro observamos grandes signos arcaicos, como el almendrado de los ojos, la mirada tensa, falta de expresividad… Tiene un marcado hieratismo ya que se nos presenta en una actitud solemne, además dicho hieratismo viene reforzado por tener el brazo derecho pegado al costado, aunque al tener tanto la pierna y el brazo del lado izquierdo levantados proporciona una ligera sensación de movimiento. La estatua se rige por la ley del frontalismo.
Aunque hay que tener en cuenta que esta estatua muestra un gran realismo, no se nos presenta idealizado como los dioses y faraones, ya que es un hombre de edad avanzada, sobre todo para la época, y con un vientre pronunciado y la musculatura flácida. En cuanto al tratamiento del cabello observamos que está tallado al detalle y dando forma a una cabeza muy redonda acorde con la voluptuosidad del cuerpo.

La escultura se talló en un gran tronco de madera al cual se le fueron añadiendo posteriormente las diferentes partes del cuerpo. La escultura era policromada pero actualmente no quedan restos. Los ojos eran incrustaciones de piedras con lo que se conseguía un mayor brillo de la mirada.
Si observamos la mano derecha de El Alcalde del Pueblo comprobaremos que hay un agujero, esto es porque en la antigüedad debía sostener los cetros o emblemas que lo identificaban como la persona noble que era. En cuanto a la vestimenta solo lleva puesto una faldilla con un inusual pliegue.

Publicado por Pablo Cardenal a las 20:28 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

El escriba de El Cairo

El escriba de El Cairo, también conocido como el ”escriba sentado” es una escultura situada en el Museo del Cairo (Egipto). Su estado de conservación es relativamente bueno. Su autor es desconocido. Fue esculpida sobre el año 2500 a.C y pertenece al Imperio Antiguo (V Dinastía)

El material de esta escultura es piedra caliza policromada. Esta obra de arte ha sido esculpida.

La postura del escriba es sedente, con las piernas cruzadas, y sentado sobre una base de la misma piedra que ocupa la superficie, la figura representa a un escriba o funcionario egipcio escribiendo en papiro o papel. . Lleva una peluca negra que da sensación de pesadez. Alrededor del cuello tiene una especie de collar pegado al cuerpo, pero liso y con falta de elementos. Esta marcado el pecho pero no los músculos de los brazos, ni de las piernas. Los ojos de cuarzo y la tenue mueca altiva del escriba, delatan el alto rango y el orgullo con el que esta persona ostentaba su cargo. En el pecho se observa que falta un pectoral, y también entre los dedos de la mano derecha, hay un agujero, donde seguramente debía estar colocada la pluma para escribir.

Todos los miembros de la escultura están delineados, remarcándose en ellos tanto la musculatura de torso, brazos y piernas, cuanto el vientre, más prominente. Se representan detalles minuciosos tales como uñas de manos y pies. El rostro muestra serenidad y concentración, con los ojos fijos, y mirada inteligente y expresiva. Su estructura es huesuda, marcando los pómulos y la mandíbula inferior. Las manos están relajadamente apoyadas sobre el papiro que reposa en sus rodillas, llevándolo sujeto en la mano izquierda, mientras sostiene el cálamo con la mano derecha.

Aunque los escribas no formaban parte de las altas dignidades palaciegas y administrativas, el funcionario perpetuado en esta estatua había alcanzado una posición de respecto en la burocracia estatal y elfavor del faraón, que extendió hasta él el derecho a la vida futura.

Esta escultura no ha sufrido ningún tipo de modificación.

Publicado por Rocío Cruz a las 22:21 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

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Tríada de Micerinos.

La Tríada de Micerinos.

Esta escultura del arte egipcio, pertenece a un autor desconocido. La Tríada de Micerinos, fue esculpida entre 2530-2500 a.C. Actualmente, la podemos encontrar en el Museo El Cairo, Egipto.

La Tríada de Micerinos, de 92 cm de altura, está realizada mediante talla directa sobre la piedra, con pulimentado posterior.
La obra muestra al faraón Micerinos entre dos divinidades femeninas. El monarca aparece representado con la corona blanca del Alto Egipto y se viste con un sencillo faldellín plisado que deja al descubierto su torso, brazos y piernas. Lleva la típica barba postiza característica de la realeza egipcia. Micerinos se encuentra en actitud de avanzar, para lo que adelanta su pierna izquierda, mientras su musculatura queda muy marcada.
Las dos divinidades femeninas que acompañan al faraón muestran entre sí algunos rasgos semejantes. Ambas se visten con sencillas túnicas casi transparentes que dejan entrever diversos rasgos anatómicos y poseen melenas que caen por delante del cuello para llegar casi hasta los pechos. A la derecha de Micerinos se halla la diosa Hathor, cuya cabeza se remata con cuernos. A la izquierda del rey encontramos a la diosa protectora del nomo de Cinopolis, sobre cuya cabeza se coloca su emblema característico, en el que se distingue un chacal. Existe además otra pequeña diferencia entre las dos diosas: mientras Hathor avanza levemente su pie izquierdo, en actitud de inicio de la marcha, la otra diosa se mantiene por completo estática, con los pies juntos. Sin embargo, las dos divinidades se agarran con una de sus manos al brazo más próximo del faraón.

Las tres figuras muestran evidentes rasgos geométricos, a lo que contribuyen la posición de los brazos, pegados al cuerpo, y los puños cerrados. En las tres figuras se ha aplicado el canon escultórico egipcio de los 18 puños y se hace evidente la ley de la frontalidad, que concibe a las esculturas para ser contempladas de frente.

La posición central del faraón entre dos diosas nos remite a la concepción del monarca egipcio como otra divinidad más.

Por último, la diferente posición de las piernas en las tres figuras, más o menos adelantadas una respecto a la otra, simboliza también una cierta preeminencia en cuanto a la importancia de su representación.

 

Publicado por David Vázquez a las 20:04 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Escriba Sentado.

Esta escultura del arte egipcio, pertenece a un autor desconocido. El Escriba sentado, que así se llama, fue esculpida entre 2480-2350 a.C. Actualmente, la podemos encontrar en el Museo del Louvre en París.

El Escriba sentado, de 54 cm de altura, está tallado en piedra caliza policromada (cristal de roca, magnesio y cobre).

Se encuentra en posición sedente, con las piernas cruzadas, sosteniendo entre ellas un papiro y un estilo, que le servía para escribir.

Como se puede observar va semidesnudo, solo lleva el shenti, una especie de falda larga y estrecha hecha de paño de lino sobre la que está apoyando el papiro. En cuanto al pelo negro intenso, podía ser natural o una peluca, que en Egipto era frecuente usarla. Su tonalidad rojiza de la piel, hacen resaltar los ojos elaborados con muchos detalles, como por ejemplo el iris, de basalto y las pupilas de plata, lo que hacían intensificar su mirada al frente y prestar atención a lo que le estaba dictando.

La postura es un poco hierática, y las manos y los pies son de gran tamaño. Se resalta muy bien la parte frontal del pecho, alejándose así del canon de belleza ideal, ya que esta escultura buscaba el naturalismo, hacer una representación tal y como eran las personas en aquel momento, llena de detalles que contraponía la figura divina de los faraones.

La figura del escriba se hizo importante porque saber leer y escribir no era muy común en aquella época, por esto alcanzaron un importante poder, ya que el Estado necesitaban de sus servicios para anotar los tributos al faraón. Por su importante labor, el faraón cedió a algunos escribas la vida eterna, que hasta entonces era exclusivo del faraón. De aquí surge la necesidad de realizar esculturas de carácter funerario como lo es esta escultura.

Esta obra fue descubierta por el arqueólogo Auguste Mariette en 1850 en la necrópolis de Sakkara, frente a la ciudad de Menfis, que había sido la capital del Imperio Antiguo.

Publicado por Elisa Coronel a las 18:33 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

13

MYKERINOS Y SU ESPOSA (2548- 2530 a.C.)

Esta escultura egipcia y de bulto redondo pertenece al periodo escultórico del Imperio Antiguo o Menfita,tratándose de la pareja de Mykerinos y su esposa (Mº de Boston),que fue encontrada en Giza en el templo de Mykerinos.
Esta escultura de 139cm de altura(estatuaria real) esta esculpida en granito o un tipo de piedra semejante.La escultura egipcia es una escultura monumental ligada a la arquitectura y al servicio de la religión,también se mantiene la crencia prehistórica de que la representación del objeto motiva la existencia del sujeto,de ahí las numerosas esculturas.
En egipto se busca un canon ideal del cuerpo humano,y se piensa que la base del canon egipcio se encuentra en la figura humana de pie y que las proporciones de éste se fundan en las medidas de la mano y el brazo.Cada lado de la cuadrícula es igual a un puño y la figura humana medía 4 cúbitos(4,5 puños aproximadamente).
En la escultura egipcia se dan dos corrientes:corriente palaciega u oficial y una corriente mas naturalista.Esta escultura pertenece a la corriente palaciega que representa fundamentalmente a las divinidades y a la realeza y que está definida por unos convencionalismos muy definidos:
-Idealización: con los ojos dirigidos al infinito y la frente elevada.
-Hieratismo:brazos pegados al cuerpo y las plantas de los pies al suelo.Todo movimiento queda prohibido,como si las figuras estuvieran delante de la divinidad o ellas mismas llevaran el mensaje divino.
-Ley de Claridad: para lograr una mayor identificación y comprensión del personaje.
-Ley de frontalidad: consiste en la representación en línea recta tanto de las caderas como de los hombros.De esta forma se podía dividir la figura en dos mitades simetricas e iguales siguiendo un eje central,que en muchas ocasiones incluso se solapaban.
Podemos observar que los convencionalismos anteriores aparecen en esta escultura.Mykerinos llevaadornando su cabeza un Klaft que busca la evocación de los rayos del Sol, también lleva la barba Osiriaca que representa la fuerza del Faraón.
La esposa, se encuentra rodeando a Mykerinos con su brazo derecho y tocándole con el izquierdo,esto representa la importancia del matrimonio y la devoción y admiración de la esposa por el faraón, además el pie izquierdo de la mujer también está en posición de avance pero no tan adelantado como el del faraón lo que indica que ella le sigue a él, como máxima autoridad que es el faraón.
Egipto es una sociedad de tipo hidráulico,que se origina en torno a un poder político centralizado que dirige los trabajos.Ese poder se encarna en la figura del Faraón,que posee el control sobre personas y tierras.
La religión es fundamental en la cultura egipcia por lo que el arte en Egipto tiene una función religiosa,es por tanto,un arte teocrático al igual que el sistema político existente.
El Faraón y la casta sacerdotal y funcionarial son los únicos clientes de las obras de arte (arte oficial).Se trata de un arte desproporcionado y tendiente al colosalismo.

Publicado por Carmen Foronda Sáenz a las 13:53 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Nefertiti

Publicado por José Manuel a las 17:18 2 comentarios: Enlaces a esta entrada

Akhenaton

Publicado por José Manuel a las 17:17 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Maqueta

Publicado por José Manuel a las 17:16 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Tutankhamon

Publicado por José Manuel a las 17:14 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Sheikh-el Beled

Publicado por José Manuel a las 17:13 1 comentario: Enlaces a esta entrada

Escriba

Publicado por José Manuel a las 17:11 1 comentario: Enlaces a esta entrada

Rahotep y Nofrit

Publicado por José Manuel a las 17:10 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada

Kefren-Horus

Publicado por José Manuel a las 17:09 1 comentario: Enlaces a esta entrada

Tríada de Mikerinos

 

Publicado por José Manuel a las 17:07 17 comentarios: Enlaces a esta entrada

Zoser

LA PINTURA:

Tumba de Sennefer y su esposa.

Es una pintura que se encuentra en la tumba de Sennefer, quien era alcalde de Tebas. Su tumba está situada en Sheikh Abd el-Qurna en la necrópolis tebana, en la orilla oeste del río Nilo.
Actualmente estas pinturas están protegidas y seguras detrás de un vidrio, por lo tanto, se encuentran en buen estado de conservación.
Se trata de una pintura mural. La técnica de pintura en el arte egipcio se desarrollaba revistiendo el muro con una capa de tierra con paja y encima, una mezcla de arena y cal. Así, quedaría una superficie blanca y lisa. Más tarde, se cuadriculaba el muro y se dibujaban los contornos y luego el pintor repartía los colores con gran detalle.
En este caso, utiliza unos colores vivos y luminosos donde predomina el dibujo ya que las figuras están delimitadas por líneas marcadas independientemente de su color. Así, se produce la sensación de formas planas.
Las figuras se realizan el la misma escala, sin embargo, hay figuras secundarias que tienen un tamaño inferior a las figuras principales, en este caso Sennefer y su esposa. También se pueden observar muchos detalles, aunque estos mantienen la misma intensidad.
Los colores que predominan son los colores primarios e intensos. Estos colores son distribuidos de forma plana, es decir, de forma uniforme en la superficie; estos colores no son degradados.
Los elementos resultan ser planos, apareciendo de frente, sin embargo, el rostro aparece de perfil.
Esta pintura aparece en el Imperio Antiguo (1410 a.C.), donde se establecen las bases formales e iconográficas de la caracterización del arte egipcio: la perspectiva aspectiva presente en pequeños relieves o figuras votivas y la definición del conjunto funerario, formado por una pirámide o tumba con un templo funerario adjunto y otras edificaciones.
El arte egipcio estaba muy relacionado con la creencia en el más allá: el alma del difunto que debía volver la cuerpo en el momento de la resurrección. Por ello, la muerte se acompañaba con rituales y momificaciones. Los faraones y poderosos se hicieron construir lujosos sarcófagos y monumentales sepulcros.
Así, como se ve reflejado en esta obra, se hacen numerosas inscripciones y pinturas que decoraban estas grandes cámaras funerarias.
Concretamente, en esta tumba se refleja la temática amorosa de Sennefer y su esposa bajo la parra funeraria, ya que en el techo podemos observar un gran número de racimos de uvas.

JUICIO DE OSIRIS

El Juicio de Osiris es una escultura del arte egipcio, pertenece a un autor desconocido. Esta obra está conservada en el Museo Británico de Londres y está en un favorable estado de consevación.

Es un papiro egipcio datado en el siglo XIII a.c. perteneciente al Libro de los Muertos.
En esta obra aparece el espíritu del fallecido era guiado por el dios Anubis ante el tribunal de Osiris.
Anubis extraía mágicamente el corazón, que representa la conciencia y moralidad) y lo depositaba sobre uno de los dos platillos de una balanza.El corazón era contrapesado con la pluma de Maat (símbolo de la Verdad y la Justicia Universal), situada en el otro platillo.
Al final del juicio, Osiris dictaba sentencia:
Si esta era positiva su Ka (la fuerza vital) y su Ba (la fuerza anímica) podían ir a encontrarse con la momia, conformar el Aj (el “ser benéfico”) y vivir eternamente en el Aaru (El Paraíso)
Pero si el veredicto era negativo, su corazón era arrojado a Ammit, la devoradora de los muertos (un ser con cabeza de cocodrilo, piernas de hipopótamo y melena, torso y brazos de león ), que acababa con él. Esto se denominaba la segunda muerte y suponía para el difunto el final de su condición de inmortal; aquella persona dejaba de existir para la historia de Egipto.

La religión egipcia era politeísta, es decir, tenían varios dioses, como Ra (dios solar), Amón (dios del sol en Tebas, unido a Ra), Horus (sol naciente, hijo de Osiris y regidor de los asuntos de los hombres; se une al faraón) y Osiris (dios de los muertos) y sus consecuencias para la vida y el arte egipcio.
Para el egipcio, el hombre estaba integrado por tres componentes: Cuerpo, alma y espíritu.

 

Fundamentos de arte 2

LA PREHISTORIA

Prehistoria- Abrigos de Cogull, Marcos Orta Alonso

Abrigos de Cogull
La obra que se trata de los Abrigos de Cogull que están localizados en Lérida. Muestran un grupo de personas formando una escena. Es la llamada “danza fálica”, en una interpretación según la cuál un grupo de mujeres efectúa una danza alrededor de un hombre.Su autor es anónimo. No se sabe quién puedo realizar la obra.Fue creada aproximadamente en el 6000-6500 a.C. (siglo VII). Son un ejemplo de la modalidad artística de la pintura levantina. Pertenece a la época de la pintura levantina.
La escena de la danza de un grupo de mujeres en torno de un hombre desnudo, pintada en rojo y negro, es por su propio contenido una de les manifestaciones más notables que ha llamado la atención de los estudiosos.
Una serie de mujeres, realizadas por distintos autores y en momentos diferentes, están en actitud de danza y formando un círculo en torno a una pequeña figura masculina, que se ha interpretado como un principio fecundador.
La temática cuenta la vida de la tribu, con escenas de cacerías, desfiles, luchas, danzas o rituales. La técnica es la utilización de colores, pero su exposición al aire libre y los destrozos de los visitantes hacen que se conserven en mal estado. El aspecto formal desarrolla una concepción más esquemática de las figuras. Son pinturas casi monocromas. Las figuras humanas y animales nos remiten al natural. Existe un tratamiento rudimentario de la perspectiva colocando las figuras unas encima de otras y con distinto tamaño, para sugerir la proximidad o lejanía.

DOMINGO, 6 DE OCTUBRE DE 2013

Cueva Remigia (Castellón). Escena de caza.

Es una pintura levantina que se encuentra en la cueva Remigia de una población de Castellón. Esta, actualmente, se encuentra en un mal estado de conservación.
En este tipo de pinturas levantinas hay una mayor pobreza de medios técnicos. Se utilizan pocos colores y estos ni se combinan ni son degradados. Los pigmentos que utilizan son minerales y se aplicaban de forma similar al Paleolítico, es decir, usaban pinceles, tampones, esponjas, espátulas o dedos.
Son figuras con forma esquemática y tienen falta de perspectiva, sin embargo, esta aparece torcida. Por ejemplo, los cuernos de los animales aparecen de frente y el animal de perfil. También podemos ver que no se aprecia una jerarquización de las figuras.
En esta obra podemos observar una escena de caza donde las figuras humanas aparecen con arcos y flechas. El animal que podemos ver en esta imagen, aparece en agonía con una flecha clavada y también en movimiento al igual que las figuras humanas.
La mayoría de los investigadores cree que este arte se desarrolló del 8.000 a.C. al 2.000 a.C. aproximadamente, es decir, desde el Epipaleolítico o Mesolítico a la Edad del Bronce. Sin embargo, para otros investigadores, es un arte que aparece en el Neolítico, alrededor del año 3.000 a.C.
Este arte se desarrolla en el Levante o zona oriental de la Península Ibérica. Esta pintura, concretamente, tiene fecha del 6.000 a.C al 3.000 a.C en Ares del Maestre en Castellón.

MIÉRCOLES, 24 DE SEPTIEMBRE DE 2008

Pintura de la cueva de Altamira

Descripción: Es una pintura rupestre, realizada en el Paleolítico. Actualmente se encuentra en la Cueva de Altamira, Cantabria. Se desconoce su autor.

Aspectos materiales y técnicos: Es una pintura, dibujada en las pared con pigmentos minerales ocres, marrones, amarillentos o negros, mezclados con aglutinantes como la grasa animal. Se aplicaron con los dedos, con algún utensilio a modo de pincel y en ocasiones soplando la pintura a modo de aerógrafo. También se usó el carbón vegetal para perfilar los bordes.

Análisis formal: La cueva de Altamira mide 270 m. desde la entrada hasta el fondo. Podemos distinguir en ella tres zonas. La entrada, donde se cree que se desarrollaba la vida de los hombres primitivos, la sala de la pinturas, llamada la “capilla sixtina” del arte cuaternario y las estancias y corredores.
En todas las salas y en los espacios mencionados hay manifestaciones pictóricas, pero las mejores son las que están pintadas en la bóveda natural del segundo espacio, conocido como la “sala de las pinturas”, que mide 18 m. de largo por 9 m. de ancho, con una altura que oscila entre 1 y 2 metros.
Las pinturas de esta sala siguen las características de la pintura franco-cantábrica. Hay representaciones de grandes animales, como el bisonte, del que se cuentan hasta dieciséis figuras en diferentes posturas, también aparece un caballo, dos jabalíes, una cabeza de toro y una enorme cierva que mide 2,25 m. En estas pinturas, el estudio de las formas anatómicas, del movimiento, del color y del volumen están plenamente resueltos. Los animales fueron pintados aprovechando las características de la roca, para dar así una sensación de volumen.
En cuanto al cromatismo, destacan los colores ocre, negro y rojo. En estas pinturas se representaban con detalle, los ojos, las crines y las pezuñas de los animales.
A pesar que no hay representación de la figura humana, sí que aparecen manos  otros elementos antropomorfos.

Comentario: En cuanto a la interpretación, hay diversas teorías, la primera es “el arte por el arte”, el arte sería una necesidad del ser humano, ya que nace del ocio debido a la abundancia de recursos que se producen en el Paleolítico Superior. La segunda teoría es “la magia de la caza y la fecundidad”, ya que la naturaleza en esta teoría no ofrece abundantes recursos, sino escasos y difíciles de conseguir. El arte sería parte de una ceremonia mágica para conseguir más caza. Eso explicaría porqué a veces aparecen animales heridos o animales preñados. La tercera teoría es “el totemismo”, que se basa en una comparación antropológica con pueblos actuales. La cuarta teoría es “la complementariedad sexual” que consiste en atribuir a todos los animales representados un carácter simbólico, unos masculino y otros femenino.

Restauraciones o modificaciones: En la actualidad el acceso a las cuevas de Altamira ha sido limitado para evitar que el microclima generado por la presencia de los visitantes en el interior afecte a la conservación de las pinturas. Para poder hacerse una idea del original se puede visitar la llamada Neocueva, réplica exacta que se ha construida en el exterior.

LUNES, 27 DE OCTUBRE DE 2014

La Venus de Willendorf

  Descripción: Esta escultura data del paleolítico, concretamente de la Edad de Piedra llamada así por la utilización de numerosos líticos principalmente el sílex. De autor desconocido, fue descubierta en la cueva de Willendorf en Austria por ello se llama así. Data del 24000 al 22000 a.C. y actualmente reside en el Museo de Historia Natural de Viena.
   Aspectos formales y técnicos:La Venus de Willendorf es una escultura pequena (tan solo 11cm) de bulto redondo, o sea, exenta. Esculpida en piedra caliza conserva rastros de coloración en la zona púbica. Tiene grandes abultamientos de vientre y nalgas, además de unos pechos exuberantes. Religiosamente hablando podríamos afirmar que representa la maternidad y la procreación. La cabeza la forman siete círculos concéntricos que tratan en cierto modo de imitar el cabello de forma muy primitiva. La anulación del rostro se ha relacionado con la voluntad de expresar una forma abstracta, como por ejemplo una diosa, más que con una persona en concreto.
   Análisis formal y comentario:En la época prehistórica es abundante la plasmación escultórica de la figura femenina, siendo también bastante conocidas La Venus de Lespugue en Haute-Garonne (20000 a.C.) y el bajorrelive representando una mujer, que sostiene una media luna en su mano derecha completamente desnuda, llamada La Venus de Lausselle (24000 a.C.). Para  muchos autores esta escultura podía representar una culturización hacia las diosas femeninas de la Abundancia, La Madre Tierra o hacia la Maternidad, Diosa-madre. Se podía considerar así ya que cuenta con grandes pechos que tienen leche y simbolizaban el primer alimento de la humanidad, la leche materna. En un tiempo tan primitivo como el que enfoca esta obra, el cuerpo voluptuoso representaba el deseo, la abundancia y la buena estíma social porque eran tiempos de gran escasez. Todos cazaban, recolectaban o realizaban cualquier otro tipo de trabajo que necesita de un gran esfuerzo físico. Por ello decimos que puede referirse a un ser religioso, porque ningún ser humano era físicamente así. Lo que la tribu quiere conseguir a través de este culto a las diosas es la continuidad de exitos para el grupo, que nunca se aleje de ellos la buena fortuna y que tengan al menos lo básico para vivir.
   Restauraciones o modificaciones:Por último cabe mencionar que esta escultura se encuentra en un estado óptimo y que no ha necesitado de ninguna restauración para mantener su forma y lo que quiere transmitir.

MIÉRCOLES, 18 DE DICIEMBRE DE 2013

La cueva de Altamira

Las pinturas de la Cueva de Altamira, uno de los monumentos más impresionantes del arte paleolítico, fueron descubiertas en 1879 por el estudioso cántabro Marcelino Sanz de Sautuola.
En una época en la que la ciencia oficial no admitía la existencia del Arte en el periodo paleolítico, la verdadera importancia de estas pinturas no fue apreciada sino hasta veinte años más tarde, no sin provocar grandes controversias. Sin embargo, la tenacidad de Sautuola y del profesor Vilanova y Piera acabó por vencer el escepticismo de los críticos, que no concebían que los cazadores del Paleolítico pudieran tener un sentido de “lo artístico”.
La cueva fue habitada durante los periodos Solutrense y Magdaleniense inferior. Tiene un recorrido complejo de 270 metros y un trazado irregular a través de varias salas, todas ellas con pinturas y grabados paleolíticos, entre los que destaca el techo de los polícromos, considerado por Breuil la Capilla Sixtina del Arte Paleolítico y donde se localizan los famosos bisontes. Las pinturas fueron hechas hace unos 15.000 años, y representan a bisontes, caballos, ciervas, toros, signos y máscaras zoomorfas.
Las pinturas están realizadas con pinturas ocres de origen natural, de color rojo sangre y contornos en negro. En ocasiones, el artista utilizó los salientes de las paredes para dar a las figuras sensación de relieve. En conjunto, se trata de 70 grabados realizados en la roca y cerca de 100 figuras pintadas, en las que merece la pena atender al gran realismo de las imágenes y al excelente uso de la policromía. En definitiva, se puede afirmar que las pinturas de Altamira son el más importante logro de la Humanidad en el periodo paleolítico.

DOMINGO, 20 DE OCTUBRE DE 2013

Pinturas de la cueva de Altamira

Las imágenes que vamos a comentar son” Las pinturas de la cueva de Altamira”, de autor desconocido, perteneciente cronológicamente al arte prehistórico y que se encuentran en la localidad de Santillana del Mar (Cantabria) .
Los materiales utilizados en esta técnica son pigmentos y tierras naturales.
La cueva de Altamira mide 270m desde la entrada hasta el fondo. Podemos distinguir entre ellas tres zonas:
1)Sala junto a la entrada, donde se desarrollaría la vida de los hombres primitivos.
2)Sala de las pinturas, llamadas la “Capilla Sixtina del arte Cuaternario”.
3)Una serie de estancias y corredores.
En todas las salas y espacios mencionados hay manifestaciones pictóricas, pero las mejores son las que están pintadas en la bóveda natural del segundo espacio, conocido como “la sala de las pinturas”, que tiene 18m de largo por 9m.
En ellos, el estudio de las formas anatómicas, del movimiento, del color y del volumen podemos decir que están plenamente resueltos.
Gracias a las pinturas rupestres podemos conocer algunos detalles acerca de la vida del hombre del Paleolítico Superior, como por ejemplo las formas de caza, armas, fauna, ritos …….
La cueva de Altamira fue  descubierta por Marcelino Sanz de Sautuola en 1879. El hallazgo se produjo cuando su hija María perseguía a su perro, que se había escondido en ella. La niña entró en su interior por un pequeño agujero y, al ir a rescatarla, se encontraron con este gran tesoro.

SÁBADO, 12 DE OCTUBRE DE 2013

VENUS DE WILLENDORF

Venus de Willendorf es una estatua de un tamaño diminuto que se ubica en el Museo de Historia Natural de Viena (Naturhistorisches Museum) en Austria. Se encuentra en un buen estado de conservación. Se desconoce el autor, pero fue hallada  en una excavación paleolítica cerca de Krems, Baja Austria, en 1908 por el arqueólogo Josef Szombathy.
La figura de esta mujer desnuda fue esculpida en piedra caliza monolítica, que no es local en la región y pintada en ocrerojo.
Esta ”estatuilla” de 11,1 centímetros de alto parece ser una representación convencional, no realista, ya que su abdomen, vulva, nalgas y mamas son extremadamente voluminosos (esteatopigia), de donde muchos estudiosos han deducido una fuerte relación con el concepto de la fertilidad. Los brazos, muy frágiles y
La cabeza ovoide sin detalles, sobre todo, en el rostro, es muy común en este tipo de
Esta figura no ha sufrido ningún tipo de modificación.

casi imperceptibles, se doblan sobre los senos; y no tiene una cara visible, estando su cabeza cubierta de lo que pueden ser trenzas, un tipo de peinado o una capucha.  El abdomen posee un notorio hueco que representa el ombligo. El abultado pubis se expande sobre unos gruesos muslos. Aunque las piernas son anatómicamente muy acertadas, los pies no han sido representados (o se han perdido), terminando la escultura a la altura de los tobillos.
figurillas. Pero sí que lleva pequeñas incisiones paralelas y alargadas que han sido

interpretadas como una representación estilizada del pelo. Los senos y las nalgas
forman una especie de esfera o círculo central.  4
Llama la atención que, en la parte trasera, cubriendo parcialmente las nalgas, hay una
serie de estrías paralelas y verticales cuya interpretación ha sido muy discutida. Quizá
sea alguna representación esquemática de alguna prenda de vestir: una especie de
faldilla.

JUEVES, 10 DE NOVIEMBRE DE 2011

Cueva de Altamira

La Cueva de Altamira fue descubierta en 1879 por la niña María Sanz de Sautuola cuando exploraba una gruta en compañía de su padre, el empresario y paleontólogo aficionado Marcelino Sanz de Sautuola. Esta gruta de 18 metros de largo por 9 de ancho se encuentra situada en un prado verde en la localidad de Santillana del Mar, a 30 Km. de Santander. Por los restos encontrados, sabemos que dentro de estos lugares se diferenciaban estancias, bien por medio de muros, o de simples hileras de piedras. Estas diferentes salas, podían ser usadas para diversas actividades, como cocinar, curtir pieles, realizar armas, etc., en todas ellas se ve la presencia de restos que correspondieron al hogar o fuego del recinto. Este fuego era el que les permitía cocinar, realizar trabajos de piedra y metal, pero también les iluminaba y daba calor. Pero lo más relevante de esta cueva no es su morfología, sino su trabajo artístico, primera muestra de arte rupestre dentro de nuestra Península, y de una gran importancia para el estudio del ser humano y su desarrollo. Dentro de este conjunto paleolítico de representaciones pictóricas, la zona esencial de la cueva es la llamada Sala de los Policromos, conocida también como “La Capilla Sixtina del Arte Cuaternario”, datada hace unos 15.000 años, donde aparecen representaciones de figuras animales, como bóvidos, ciervas, cápridos, signos y máscaras zoomorfas, a las que como vamos a ver se las ha dado diferentes interpretaciones. Fue el mismo Sanz de Sautuola quién en 1880 publicó el descubrimiento de la Sala de los Policromos, datándola en el Paleolítico.
En cuanto al arte representado, debemos decir, que corresponde al rupestre o parietal, es decir represetado pictóricamente sobre muro o pared. La cronología del lugar, gracias a estas fuentes iconográficas se puede establecer entorno a los años 35.000 y 10.000 a.C. Por un lado, conocer que los aglutinantes utilizados eran de tipo orgánico, los pigmentos eran todos de origen natural y hallados en su entorno más inmediato, para pintar usaron pinceles, las manos y los dedos, lápices o minas de color para la silueta, tampones para hacer las crines, el soplado para la difuminación y buriles para los grabados en la piedra.
el arte rupestre consta de tres temas diferentes a la hora de representar, que en Altamira están presentes. Por un lado las figuras zoomorfas, siendo estas, casi siempre animales ya adultos, pintados de perfil, con zonas, a veces, exageradamente resaltadas, y dibujados con gran realismo. Entre estos animales, encontramos bisontes, ciervos y caballos. Pero hemos de destacar aquí el llamado bisonte encogido, realizado sobre el abultamiento de una roca, lo que proporciona a la imagen mayor realismo. También llama la atención por su calidad técnica la gran cierva, pues es una de las imágenes de mayor tamaño y está representada con gran firmeza. Por otro lado están las figuras humanas, donde ya el realismo se ha perdido, pues para la comunidad éstas tenían un papel secundario en el desarrollo de su existencia y supervivencia. Finalmente están los signos, que no son figurativos, sino una representación simbólica de objetos, ideas o mensajes que querían transmitir. Estas imágenes aparecen juntas, y mezcladas por todas las paredes.

La gran Cierva de Altamira

Estas pinturas dan lugar a diferentes interpretaciones, todas ellas válidas y aplicables. En primer lugar se habla de un arte realizado sólo por el mero hecho de dar placer visual, y así rellenar los momentos de ocio. Otra interpretación es otorgarle cierto carácter religioso o mágico con un fin protector, por medio de los animales, los mensajes y los hombres pintados, se podía acceder al mundo mágico, para que este intercediera y les ayudara en su labor cazadora.
Finalmente, en los años 80, se ha hablado de representaciones pictóricas sucedidas durante estados de alteración de la conciencia tras haber practicado rituales mágicos; que serían realizados por los habitantes de la cordillera cantábrica, pues es allí, donde más representaciones de arte rupestre existen. Como decíamos, todas estás postulaciones, tanto las clásicas como las más actuales pueden darse por válidas, aunque sean difíciles de comprender y aceptar, pero hemos de tener en cuenta la distancia cronológica que presenta este arte, tan difícil de explicar para las mentes de la edad contemporánea. Tal es la importancia de este descubrimiento y de lo que allí aparece representado, que en 1985 fue nombrada Patrimonio de la Humanidad.
Título que hace honor a lo que significa, pues a través de sus pinturas, podemos acceder, con más rigor histórico, a la verdadera vida del hombre del paleolítico. Conociendo o interpretando sus vivencias, inquietudes, aficiones, actividades, entornos y relaciones, en un contexto propio que a nosotros por su lejanía en el tiempo se nos hace ajeno.

SÁBADO, 5 DE NOVIEMBRE DE 2011

Venus de Willendorf.

En 1908, en un valle del Danubio, concretamente en el yacimiento paleolítico de Willendorf, cerca de krems en la baja Austria, el arqueólogo Josef Szombathy, descubrió una pequeña estatuilla femenina, de apenas 11 cm. Que constituyó el primer descubrimiento de una pieza escultórica de época prehistórica.
La figura de esta mujer desnuda, de unos 11 cm de alto y de unos 5,7 cm de ancho, está esculpida en piedra caliza, utilizando colores como el ocre rojo.
El conjunto respeta la ley de la frontalidad aunque la cabeza parece mirar ligeramente hacia el seno mamario derecho.
Parece ser una representación convencional no realista ya que su abdomen, vulva, nalgas y mamas son extremadamente voluminosos, donde de algunos estudios se dice que esta voluminosidad era debido al concepto de la fertilidad.
Los brazos parecen ser imperceptibles y casi no se pueden percivir, se doblan sobre los senos; y no tiene una cara visible, estando su cabeza cubierta de lo que puede ser unas trenzas, un tipo de peinado o una capucha, la cabeza se encuentra inclinada hacia adelante. Las piernas son anatómicas.